Hoy viernes 19 de noviembre
Celebración del 191 aniversario con acceso general gratuito, un concierto de música de la época de Rubens y sesiones especiales de 'El Prado habla' dedicadas a la historia y arquitectura del Museo
Hoy, 19 de noviembre, el Museo del Prado conmemora su 191 Aniversario. Como celebración, el acceso al Museo será gratuito durante todo el día (incluidas exposiciones temporales) y los niños menores de 14 años que lo visiten a lo largo de esta jornada serán obsequiados con un pase familiar válido para acceder a la colección permanente otro día acompañados por cuatro miembros más de su familia.
Actividades especiales a lo largo del día:
Especial El Prado habla
Sesiones especiales de la actividad, El Prado habla, centradas en la arquitectura e historia del Museo, en tres bloques de explicaciones didácticas que se repetirán en horario de mañana y tarde. El público interesado en participar en esta actividad podrá hacerlo acudiendo a cada una de las salas en el horario indicado (no es necesaria inscripción previa).
El origen del Museo y su arquitectura
A las 11h y a las 16h. Junto a la maqueta del edificio Villanueva en la Sala 75.
El origen de las colecciones del Museo
A las 12h y a las 17h. En la Rotonda Alta de Goya, Sala 1.
La última ampliación del Prado
A las 13h y a las 18h. En el Claustro de los Jerónimos.
Concierto extraordinario
Con motivo del Aniversario del Museo del Prado y la exposición Rubens se celebra un concierto que recorrerá el arte musical de la época de Pedro Pablo Rubens (1577-1640) en estrecha relación con su biografía. El grupo de música barroca La Folía interpreta el repertorio de los siglos XVI a XVIII utilizando instrumentos de época, presentando una selección específica para esta ocasión bajo la dirección de Pedro Bonet.
El arte instrumental en la época de Rubens
Viernes, 19 de noviembre, a las 19h.
Auditorio. Entradas agotadas
Más Información
Belleza en la Mirada
En los inicios...
viernes, 19 de noviembre de 2010
RUBENS
Del 5 de noviembre al 23 de enero
Colofón a la programación expositiva de 2010 del Prado con el maestro flamenco como protagonista.
La pinacoteca mostrará casi un centenar de pinturas de su colección del autor de 'Las Tres Gracias' (1635) antes de que se clausuren, por reformas, las salas en las que normalmente se exponen sus obras más conocidas. La selección recoge obras de todos los registros del autor, desde la pintura diplomática hasta la mitológica.
El que fuera pintor favorito de Felipe IV se acerca con su obra a la exaltación de la vida. El artista estuvo al servicio de la diplomacia española de la época, recorrió parte del continente europeo y está considerado como uno de los grandes maestros del barroco. A lo largo de su vida combinó la faceta artística con la diplomática. Una figura clave de la historia del arte y de la vida política de su tiempo.
Entre los cuadros expuestos en la muestra están la 'Lucha de San Jorge y el Dragón' (1607), 'San Pablo' (1611), 'El Jardín del Amor' (1633), 'Ninfas y Sátiros' (1635), 'Hércules y el Cancerbero' (1636), 'Saturno Devorando a su Hijo' (1636-1638), 'Danza de Aldeanos' (1636-1640), 'Diana y sus Ninfas Sorprendidas por Sátiros' (1638-1640) o 'Diana y Calisto' (1638-1640).
Coincidiendo con la exposición el Museo del Prado presentará un documental sobre este maestro de la pintura. La cinta, coproducida por el Centro de Estudios Europa Hispánica y Angular Producciones, está dirigida por Miguel Angel Trujillo. A lo largo del metraje se cuenta la vida de Pedro Pablo Rubens, la historia de su pintura y la técnica y características de la misma.
Video sobre la Exposición
Más Información
Fecha de inicio: 03/11/2010
Fecha de fin: 23/01/2011
Local: Museo Nacional del Prado
Día de cierre: Lunes
Venta de entradas: Taquilla y www.entradasprado.com
Horarios: De martes a domingo de 9:00 a 20:00h.
Precio: Venta directa de entradas en taquilla: general 8 euros y reducida 4 euros. Venta anticipada de entradas: individual 7 euros y grupos 3,50 euros. Entrada gratuita de martes a sábado, de 18:00 a 20:00h y el domingo, de 17:00 a 20:00h. La entrada da acceso a
Autobús: 9, 10, 14, 19, 27, 34, 37, 45
Metro: Atocha (L1)/ Banco de España (L2)
Colofón a la programación expositiva de 2010 del Prado con el maestro flamenco como protagonista.
La pinacoteca mostrará casi un centenar de pinturas de su colección del autor de 'Las Tres Gracias' (1635) antes de que se clausuren, por reformas, las salas en las que normalmente se exponen sus obras más conocidas. La selección recoge obras de todos los registros del autor, desde la pintura diplomática hasta la mitológica.
El que fuera pintor favorito de Felipe IV se acerca con su obra a la exaltación de la vida. El artista estuvo al servicio de la diplomacia española de la época, recorrió parte del continente europeo y está considerado como uno de los grandes maestros del barroco. A lo largo de su vida combinó la faceta artística con la diplomática. Una figura clave de la historia del arte y de la vida política de su tiempo.
Entre los cuadros expuestos en la muestra están la 'Lucha de San Jorge y el Dragón' (1607), 'San Pablo' (1611), 'El Jardín del Amor' (1633), 'Ninfas y Sátiros' (1635), 'Hércules y el Cancerbero' (1636), 'Saturno Devorando a su Hijo' (1636-1638), 'Danza de Aldeanos' (1636-1640), 'Diana y sus Ninfas Sorprendidas por Sátiros' (1638-1640) o 'Diana y Calisto' (1638-1640).
Coincidiendo con la exposición el Museo del Prado presentará un documental sobre este maestro de la pintura. La cinta, coproducida por el Centro de Estudios Europa Hispánica y Angular Producciones, está dirigida por Miguel Angel Trujillo. A lo largo del metraje se cuenta la vida de Pedro Pablo Rubens, la historia de su pintura y la técnica y características de la misma.
Video sobre la Exposición
Más Información
Fecha de inicio: 03/11/2010
Fecha de fin: 23/01/2011
Local: Museo Nacional del Prado
Día de cierre: Lunes
Venta de entradas: Taquilla y www.entradasprado.com
Horarios: De martes a domingo de 9:00 a 20:00h.
Precio: Venta directa de entradas en taquilla: general 8 euros y reducida 4 euros. Venta anticipada de entradas: individual 7 euros y grupos 3,50 euros. Entrada gratuita de martes a sábado, de 18:00 a 20:00h y el domingo, de 17:00 a 20:00h. La entrada da acceso a
Autobús: 9, 10, 14, 19, 27, 34, 37, 45
Metro: Atocha (L1)/ Banco de España (L2)
Jardines Impresionistas
El Museo Thyssen Bornemisza y la Fundación Caja Madrid organizan, del 16 de noviembre al 13 de febrero, esta muestra que analiza la representación del jardín a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX.
La exposición traza el desarrollo de la pintura impresionista de jardines incluyendo no sólo obras de todas las grandes figuras del Impresionismo, sino también de sus precursores, entre ellos Delacroix, Corot o Courbet, así como artistas posteriores como Klimt o Sargent.
Jardines impresionistas (I)
Fecha de inicio: 16/11/2010
Fecha de fin: 13/02/2011
Local: Museo Thyssen-Bornemisza
Los jardines en la pintura de la segunda mitad del siglo XIX
Jardines impresionistas (I)
Los jardines en la pintura de la segunda mitad del siglo XIX
Esta exposición, que podrá verse en el Museo Thyssen-Bornemisza y en la Fundación Caja Madrid hasta el trece de febrero, analiza la representación del jardín a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX.
Si bien los románticos encontraron en la naturaleza salvaje la expresión de su sensibilidad atormentada, según avanzó el siglo XIX los pintores empezaron a ver en los jardines una manifestación propia del mundo moderno. Por un lado, para la burguesía eran su espacio habitual de esparcimiento y por ende representaban el ocio, aquel tiempo conquistado a la dura jornada de trabajo, que era un privilegio de su estatus. Por otro, la jardinería europea evolucionaría de forma espectacular gracias a la introducción de nuevas especies de plantas y árboles procedentes de las colonias de Asia, África y América.
Ya Courbet, Delacroix y Corot demostraron un gran interés por los lugares dedicados al paseo. Frente a los riscos, las cavernas y los acantilados, los jardines urbanos, huertas y fincas de recreo protagonizan muchos lienzos a partir de los años 50. Tanto el realismo, primero, como luego el impresionismo, vieron en la naturaleza dominada por el hombre un motivo de gran actualidad e interés.
El impresionismo francés
A partir de los años 70 el impresionismo, muy interesado en los efectos de la luz, convierte el jardín en uno de los temas centrales de la pintura. La sombra proyectada por las hojas de los árboles o las variaciones del color de las flores a lo largo del día son el tipo de detalles que trata de plasmar la nueva generación de artistas. Además el jardín es también un escenario propio de la vida moderna. Manet observa en los parques de París a la sociedad de la gran ciudad: señoras de paseo, niñeras, bohemios y buscones. Monet, sin embargo, convierte su jardín de Giverny en un tapiz vivo que le ofrece las transformaciones lumínicas que tanto le preocupan.
Herederos de los grandes maestros franceses, los post-impresionistas y otros pintores que trabajan lejos de París, también muestran un gran interés por el jardín. Esta muestra se acerca también a las demás escuelas impresionistas de Europa y Estados Unidos.
Jardines impresionistas (II)
Fecha de inicio: 16/11/2010
Fecha de fin: 13/02/2011
Local: Fundación Caja Madrid
Los jardines en la pintura de la segunda mitad del siglo XIX
Jardines impresionistas (II)
Los jardines en la pintura de la segunda mitad del siglo XIX
Esta exposición, que podrá verse en el Museo Thyssen-Bornemisza y en la Fundación Caja Madrid hasta el trece de febrero, analiza la representación del jardín a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX.
Si la primera parte de la exposición, en el Museo Thyssen-Bornemisza, plantea el origen y desarrollo del tema del jardín en la pintura romántica, realista e impresionista, la segunda parte de la muestra, que continúa en la Sala de las Alhajas de la Fundación Caja Madrid, se centra en la obra tardía de Monet y Pissarro y en las propuestas de los postimpresionistas y expresionistas.
Menos preocupados por el tratamiento de la luz que los pintores franceses, Nolde, Ernst, Klimt o Munch descubren en el jardín un escenario que es simultáneamente natural y fantástico. Si para estos artistas las formas curvilíneas de las ramas y los colores vivos de las flores son la expresión más inmediata de los sublime, lo maravilloso y lo onírico, sus coetáneos Van Gogh y Cézanne siguen tratando de capturar de la forma más objetiva y directa la realidad del jardín.
Por último, una sala de la exposición está dedicada a la pintura española de principios del siglo XX, con obras de Regoyos, Sorolla y Anglada Camarasa que, conocedores de la pintura europea de las últimas décadas, hacen su propia versión hispana del impresionismo y del expresionismo, en la que el jardín andaluz y la intensa luz del Mediterráneo tienen un gran protagonismo.
Historia de la jardinería
La exposición es también una ocasión estupenda para acercarse a la historia de la jardinería. Desde los grandes parques públicos, a los huertos privados, el ojo de los pintores ha dejado constancia de las grandes transformaciones de la jardinería a lo largo del siglo XIX.
La exposición traza el desarrollo de la pintura impresionista de jardines incluyendo no sólo obras de todas las grandes figuras del Impresionismo, sino también de sus precursores, entre ellos Delacroix, Corot o Courbet, así como artistas posteriores como Klimt o Sargent.
Jardines impresionistas (I)
Fecha de inicio: 16/11/2010
Fecha de fin: 13/02/2011
Local: Museo Thyssen-Bornemisza
Los jardines en la pintura de la segunda mitad del siglo XIX
Jardines impresionistas (I)
Los jardines en la pintura de la segunda mitad del siglo XIX
Esta exposición, que podrá verse en el Museo Thyssen-Bornemisza y en la Fundación Caja Madrid hasta el trece de febrero, analiza la representación del jardín a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX.
Si bien los románticos encontraron en la naturaleza salvaje la expresión de su sensibilidad atormentada, según avanzó el siglo XIX los pintores empezaron a ver en los jardines una manifestación propia del mundo moderno. Por un lado, para la burguesía eran su espacio habitual de esparcimiento y por ende representaban el ocio, aquel tiempo conquistado a la dura jornada de trabajo, que era un privilegio de su estatus. Por otro, la jardinería europea evolucionaría de forma espectacular gracias a la introducción de nuevas especies de plantas y árboles procedentes de las colonias de Asia, África y América.
Ya Courbet, Delacroix y Corot demostraron un gran interés por los lugares dedicados al paseo. Frente a los riscos, las cavernas y los acantilados, los jardines urbanos, huertas y fincas de recreo protagonizan muchos lienzos a partir de los años 50. Tanto el realismo, primero, como luego el impresionismo, vieron en la naturaleza dominada por el hombre un motivo de gran actualidad e interés.
El impresionismo francés
A partir de los años 70 el impresionismo, muy interesado en los efectos de la luz, convierte el jardín en uno de los temas centrales de la pintura. La sombra proyectada por las hojas de los árboles o las variaciones del color de las flores a lo largo del día son el tipo de detalles que trata de plasmar la nueva generación de artistas. Además el jardín es también un escenario propio de la vida moderna. Manet observa en los parques de París a la sociedad de la gran ciudad: señoras de paseo, niñeras, bohemios y buscones. Monet, sin embargo, convierte su jardín de Giverny en un tapiz vivo que le ofrece las transformaciones lumínicas que tanto le preocupan.
Herederos de los grandes maestros franceses, los post-impresionistas y otros pintores que trabajan lejos de París, también muestran un gran interés por el jardín. Esta muestra se acerca también a las demás escuelas impresionistas de Europa y Estados Unidos.
Jardines impresionistas (II)
Fecha de inicio: 16/11/2010
Fecha de fin: 13/02/2011
Local: Fundación Caja Madrid
Los jardines en la pintura de la segunda mitad del siglo XIX
Jardines impresionistas (II)
Los jardines en la pintura de la segunda mitad del siglo XIX
Esta exposición, que podrá verse en el Museo Thyssen-Bornemisza y en la Fundación Caja Madrid hasta el trece de febrero, analiza la representación del jardín a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX.
Si la primera parte de la exposición, en el Museo Thyssen-Bornemisza, plantea el origen y desarrollo del tema del jardín en la pintura romántica, realista e impresionista, la segunda parte de la muestra, que continúa en la Sala de las Alhajas de la Fundación Caja Madrid, se centra en la obra tardía de Monet y Pissarro y en las propuestas de los postimpresionistas y expresionistas.
Menos preocupados por el tratamiento de la luz que los pintores franceses, Nolde, Ernst, Klimt o Munch descubren en el jardín un escenario que es simultáneamente natural y fantástico. Si para estos artistas las formas curvilíneas de las ramas y los colores vivos de las flores son la expresión más inmediata de los sublime, lo maravilloso y lo onírico, sus coetáneos Van Gogh y Cézanne siguen tratando de capturar de la forma más objetiva y directa la realidad del jardín.
Por último, una sala de la exposición está dedicada a la pintura española de principios del siglo XX, con obras de Regoyos, Sorolla y Anglada Camarasa que, conocedores de la pintura europea de las últimas décadas, hacen su propia versión hispana del impresionismo y del expresionismo, en la que el jardín andaluz y la intensa luz del Mediterráneo tienen un gran protagonismo.
Historia de la jardinería
La exposición es también una ocasión estupenda para acercarse a la historia de la jardinería. Desde los grandes parques públicos, a los huertos privados, el ojo de los pintores ha dejado constancia de las grandes transformaciones de la jardinería a lo largo del siglo XIX.
Pasión por Renoir. Sterling and Francine Clark Art Institute.
Pasión por Renoir. La colección del Sterling and Francine Clark Art Institute
El millonario estadounidense Robert Sterling Clark -heredero de la fortuna de los creadores de las máquinas de coser Singer- y Francine Clary, su mujer, adquirieron a lo largo de su vida una impresionante colección de obras impresionistas, entre ellas 35 obras de Pierre-Auguste Renoir.
Ahora el Museo del Prado expone, hasta el 6 de febrero, 31 de estas obras, en la que es la primera exposición monográfica dedicada a Renoir en España. Una muestra que permite mostrar la amplitud y el interés de las propuestas de Renoir a través de las etapas más destacadas de su trayectoria, entre 1874 y 1900, en los principales géneros que cultivó: el retrato, la figura femenina, el desnudo, el paisaje, la naturaleza muerta y las flores.
La pinacoteca presenta por primera vez una exposición monográfica sobre el maestro francés.
Esta exposición del Museo del Prado nos cuenta dos historias. Por una parte está la historia protagonista, la de Renoir. Como bien dice el título de la muestra, se trata de un repaso artístico que permite apreciar la amplitud de las propuestas del pintor, con especial detalle en su etapa de mayor importancia, entre 1874 y 1900. Una selección que se podrá ver en el Prado como la primera exposición monográfica del impresionista francés.
Una segunda historia de fondo es la del origen de la colección. Las obras vienen de la Fundación Sterling & Francine Clark Art Institute donde fueron compiladas por el creador de la institución, el coleccionista estadounidense Robert Sterling Clark (1877-1956).
Tras servir como militar en los EEUU Robert Sterling Clark, heredero de los creadores de Singer, se fue a vivir a París en 1910. Su interés por el arte y su fortuna, compartidos por su esposa Francine, se tradujeron en una gran colección de arte que contenía pinturas, orfebrería, escultura, porcelana, dibujos y grabados.
Las pinturas francesas de la última parte del siglo XIX centraron sus adquisiciones a partir de 1920 y hoy son el corazón de la colección. De este rico patrimonio vienen las 31 piezas que se exponen de Renoir y en la que están presentes todos los géneros que cultivó el artista: el retrato, la figura femenina, el desnudo, el paisaje, la naturaleza muerta y las flores.
Galeria de imagenes de la exposición
Más Información.
Fecha de inicio: 19/10/2010
Fecha de fin: 06/02/2011
Local: Museo Nacional del Prado
Día de cierre: Lunes
Venta de entradas: Taquillas del museo, en https://www.entradasprado.com y 902 10 70 77
Horarios: De martes a domingo: 9.00 - 20.00 h.
Precio: Entrada general: 8€ (reducida 4€)
Autobús: 9, 10, 14, 19, 27, 34, 37, 45
Metro: Atocha (L1)/ Banco de España (L2)
El millonario estadounidense Robert Sterling Clark -heredero de la fortuna de los creadores de las máquinas de coser Singer- y Francine Clary, su mujer, adquirieron a lo largo de su vida una impresionante colección de obras impresionistas, entre ellas 35 obras de Pierre-Auguste Renoir.
Ahora el Museo del Prado expone, hasta el 6 de febrero, 31 de estas obras, en la que es la primera exposición monográfica dedicada a Renoir en España. Una muestra que permite mostrar la amplitud y el interés de las propuestas de Renoir a través de las etapas más destacadas de su trayectoria, entre 1874 y 1900, en los principales géneros que cultivó: el retrato, la figura femenina, el desnudo, el paisaje, la naturaleza muerta y las flores.
La pinacoteca presenta por primera vez una exposición monográfica sobre el maestro francés.
Esta exposición del Museo del Prado nos cuenta dos historias. Por una parte está la historia protagonista, la de Renoir. Como bien dice el título de la muestra, se trata de un repaso artístico que permite apreciar la amplitud de las propuestas del pintor, con especial detalle en su etapa de mayor importancia, entre 1874 y 1900. Una selección que se podrá ver en el Prado como la primera exposición monográfica del impresionista francés.
Una segunda historia de fondo es la del origen de la colección. Las obras vienen de la Fundación Sterling & Francine Clark Art Institute donde fueron compiladas por el creador de la institución, el coleccionista estadounidense Robert Sterling Clark (1877-1956).
Tras servir como militar en los EEUU Robert Sterling Clark, heredero de los creadores de Singer, se fue a vivir a París en 1910. Su interés por el arte y su fortuna, compartidos por su esposa Francine, se tradujeron en una gran colección de arte que contenía pinturas, orfebrería, escultura, porcelana, dibujos y grabados.
Las pinturas francesas de la última parte del siglo XIX centraron sus adquisiciones a partir de 1920 y hoy son el corazón de la colección. De este rico patrimonio vienen las 31 piezas que se exponen de Renoir y en la que están presentes todos los géneros que cultivó el artista: el retrato, la figura femenina, el desnudo, el paisaje, la naturaleza muerta y las flores.
Galeria de imagenes de la exposición
Más Información.
Fecha de inicio: 19/10/2010
Fecha de fin: 06/02/2011
Local: Museo Nacional del Prado
Día de cierre: Lunes
Venta de entradas: Taquillas del museo, en https://www.entradasprado.com y 902 10 70 77
Horarios: De martes a domingo: 9.00 - 20.00 h.
Precio: Entrada general: 8€ (reducida 4€)
Autobús: 9, 10, 14, 19, 27, 34, 37, 45
Metro: Atocha (L1)/ Banco de España (L2)
jueves, 8 de julio de 2010
Belleza en la Mirada
Belleza en la Mirada, es sin lugar a dudas uno de mis favoritos, es el primero de un grupo de tres, empezaremos con este y más adelante continuare exponiéndolos.
La expresividad de los ojos es la luz que da vida a un retrato, para mi es uno de mis mayores retos a la hora de afrontar un retrato.
Este es uno de los primeros que realizo con técnica mixta, Pastel y Acrílico. Voy a describir los pasos seguidos en el proceso de creación.
En primer lugar escogeremos un lienzo que se adapte a las medidas que deseamos y os aconsejo siempre escoger un buen material aunque sea algo más caro, durante el proceso de creación notaréis la diferencia.
Antes de empezar a pintar escogeremos un color de fondo que vaya bien con el motivo que queremos pintar, en este caso yo he fabricado un gris perla y le he dado varias capas al lienzo. Una vez seco, comenzamos a dibujar a lápiz el primer boceto.
Una vez tengamos hecho el rostro a lápiz, de una barra de pastel negra, cortaremos un pequeño trozo e iremos dando sombras y perfilando el rostro, dando los retoques necesarios hasta que vaya cogiendo la expresividad que buscamos.
En una tabla de mezclar o cualquier recipiente que haga de tabla, iremos frotando el pastel sobre la superficie y posteriormente con un pincel húmedo iremos formando el color base, con el que iremos sombreando y detallando el boceto. Siempre nos fijaremos cual es la zona o color más oscuro para saber los diferentes matices que tiene el cuadro y no pasarnos en las tonalidades, un color excesivo al principio siempre nos dificultará el proceso.
Por último, una vez tengamos hecho el retrato daremos una veladura con acrilico para simular los velos. Cuando este completamente seco le daremos varias capas de barniz para acrílico, el efecto final será este.
Espero que os guste.
martes, 16 de marzo de 2010
FUNDACIÓN MAPFRE (Exposiciones.)
En entradas anteriores hemos hablado de alguna de las exposiciones que se llevan acabo en la Fundación Mapfre, y por eso para aquellos que estén interesados en alguna de ellas o en futuras exposiciones, vamos a facilitaros la información, accediendo a las propias paginas de la fundación, donde podréis ver presentaciones, videos e incluso visitas virtuales de las salas.
Pinchando en este enlace "Fundación Mapfre" accederéis a la Web de la fundación, donde podréis ver cosas como esta:
.- Video presentación de la exposición:
IMPRESIONISMO Un Nuevo Renacimiento
.- Visita Virtual de la exposición: IMPRESIONISMO Un Nuevo Renacimiento
Espero que estas direcciones os ayuden si tenéis dudas a la hora de elegir a ver entre una u otra exposición en Madrid.
Pinchando en este enlace "Fundación Mapfre" accederéis a la Web de la fundación, donde podréis ver cosas como esta:
.- Video presentación de la exposición:
IMPRESIONISMO Un Nuevo Renacimiento
.- Visita Virtual de la exposición: IMPRESIONISMO Un Nuevo Renacimiento
Espero que estas direcciones os ayuden si tenéis dudas a la hora de elegir a ver entre una u otra exposición en Madrid.
jueves, 11 de marzo de 2010
Impresionismo: Un nuevo renacimiento. Manet y el entusiasmo por la modernidad.
Grandes obras del Musée d´Orsay
Gracias a la colaboración con el Musée d´Orsay, la Fundación Mapfre trae por primera vez a España obras muy significativas del impresionismo, que pueden verse en su sede del Paseo de Recoletos hasta el 22 de abril.
La trayectoria artística de Manet es el eje en torno al cual se organiza esta exposición, que se presenta como una nueva lectura del movimiento impresionista y trata de contextualizarlo en la escena cultural de los años setenta del siglo XIX. Las propuestas de Monet, Renoir, Pisarro, Sisley, Degas, Berthe Morisot o Cézanne convivieron con el academicismo, el historicismo o el simbolismo, que fueron los otros caminos por los que transcurría la también innovadora pintura de Puvis de Chavannes o Moreau.
Manet y el entusiasmo por la modernidad
Manet alentó a los jóvenes artistas a pintar la vida moderna de una manera distinta, pero lejos de promover una ruptura radical con el arte tradicional, en su obra encontramos la influencia de Tiziano, Goya o Velázquez. Porque Manet siempre quiso que su obra se exhibiera en los museos y perdurará hasta alcanzar la categoría de clásica. Tal vez debido a este motivo nunca se prestó a exponer con sus amigos impresionistas y prefirió la seguridad del Salón oficial.
El pífano de Manet, que concilia academicismo y modernidad, abre la exposición. En este bloque destacan las pinturas de Puvis de Chavannes Le pigeon, Le ballon y Mujeres a orillas del mar.
A continuación Monet, el artista que mejor ha representado la fugacidad de la luz natural, está muy bien representado con sus obras La gare Saint-Lazare, Les regates à Argenteuil o La rue Montorgueil. En contraste Renoir parece mucho más frívolo, pero la sensualidad de sus desnudos recuerda a la pintura veneciana del siglo XVI. Y Sisley, Pizarro y Cézanne demuestran mayor preocupación por la composición y la solidez.
Degas y Berthe Morisot son los grandes narradores de la vida moderna: los espectáculos, el ballet, la ciudad o las carreras de caballos.
Las últimas obras de Manet, L´asperge, el retrato de Clemenceau o L´evasion de Rochefort, demuestran al final de la exposición la estrecha relación de Manet con el movimiento impresionista.
Fecha de inicio: 14/01/2010
Fecha de fin: 22/04/2010
Local: Fundación Cultural Mapfre. Sala Recoletos
Horarios: Lunes: de 14 a 20. Martes a sábados: de 10 a 20. Domingos y festivos: de 12 a 20
Precio: Entrada gratuita.
Autobús: 5, 14, 27, 37, 45, 53, 150
Metro: Colón (L4) / Banco de España (L2)
Gracias a la colaboración con el Musée d´Orsay, la Fundación Mapfre trae por primera vez a España obras muy significativas del impresionismo, que pueden verse en su sede del Paseo de Recoletos hasta el 22 de abril.
La trayectoria artística de Manet es el eje en torno al cual se organiza esta exposición, que se presenta como una nueva lectura del movimiento impresionista y trata de contextualizarlo en la escena cultural de los años setenta del siglo XIX. Las propuestas de Monet, Renoir, Pisarro, Sisley, Degas, Berthe Morisot o Cézanne convivieron con el academicismo, el historicismo o el simbolismo, que fueron los otros caminos por los que transcurría la también innovadora pintura de Puvis de Chavannes o Moreau.
Manet y el entusiasmo por la modernidad
Manet alentó a los jóvenes artistas a pintar la vida moderna de una manera distinta, pero lejos de promover una ruptura radical con el arte tradicional, en su obra encontramos la influencia de Tiziano, Goya o Velázquez. Porque Manet siempre quiso que su obra se exhibiera en los museos y perdurará hasta alcanzar la categoría de clásica. Tal vez debido a este motivo nunca se prestó a exponer con sus amigos impresionistas y prefirió la seguridad del Salón oficial.
El pífano de Manet, que concilia academicismo y modernidad, abre la exposición. En este bloque destacan las pinturas de Puvis de Chavannes Le pigeon, Le ballon y Mujeres a orillas del mar.
A continuación Monet, el artista que mejor ha representado la fugacidad de la luz natural, está muy bien representado con sus obras La gare Saint-Lazare, Les regates à Argenteuil o La rue Montorgueil. En contraste Renoir parece mucho más frívolo, pero la sensualidad de sus desnudos recuerda a la pintura veneciana del siglo XVI. Y Sisley, Pizarro y Cézanne demuestran mayor preocupación por la composición y la solidez.
Degas y Berthe Morisot son los grandes narradores de la vida moderna: los espectáculos, el ballet, la ciudad o las carreras de caballos.
Las últimas obras de Manet, L´asperge, el retrato de Clemenceau o L´evasion de Rochefort, demuestran al final de la exposición la estrecha relación de Manet con el movimiento impresionista.
Fecha de inicio: 14/01/2010
Fecha de fin: 22/04/2010
Local: Fundación Cultural Mapfre. Sala Recoletos
Horarios: Lunes: de 14 a 20. Martes a sábados: de 10 a 20. Domingos y festivos: de 12 a 20
Precio: Entrada gratuita.
Autobús: 5, 14, 27, 37, 45, 53, 150
Metro: Colón (L4) / Banco de España (L2)
Los límites de la transparencia
La Fundación Canal expone una selección de obras del escultor vasco Jorge Oteiza, fallecido en 2003. El título 'los límites de la transparencia' hace alusión a la frontera donde se separan y se unen el espacio construido y el espacio natural.
Oteiza (Orio, Guipúzcoa, 1908- San Sebastián, 2003) fue un creador multidisciplinar que edificó su obra desde la reflexión sobra la relación del individuo sobre el espacio.
La obra que muestra la Fundación Canal Corresponde a la culminación del proyecto denominado 'Propósito experimental', con el que recibió en 1957 el Primer Premio de Escultura de la IV Bienal de São Paulo. Un galardón que supuso su consagración en el ámbito internacional.
La obra de Oteiza pone límites al vacío, encuentran su lugar en el espacio, así ocurre con obras suyas como 'Flotación', 'Escultura lunar', 'Homenaje a Mallarmé' o 'Caja abierta'.
Oteiza es un figura clave entre el periodo de las vanguardias y la generación de posguerra. En 1992 donó su legado al pueblo vasco y en primavera del 2003, abrió sus puertas al público la Jorge Oteiza Fundazioa en la localidad de Altzuza. El catálogo de la exposición está prologado por Pilar Oteiza, comisaria y propietaria de la obra, y por el crítico e historiador Francisco Calvo Serraller.
Fecha de inicio: 24/02/2010
Fecha de fin: 25/04/2010
Local: Fundación Canal
Precio: Entrada gratuita
Metro: Plaza de Castilla (L1, L9, L10)
Oteiza (Orio, Guipúzcoa, 1908- San Sebastián, 2003) fue un creador multidisciplinar que edificó su obra desde la reflexión sobra la relación del individuo sobre el espacio.
La obra que muestra la Fundación Canal Corresponde a la culminación del proyecto denominado 'Propósito experimental', con el que recibió en 1957 el Primer Premio de Escultura de la IV Bienal de São Paulo. Un galardón que supuso su consagración en el ámbito internacional.
La obra de Oteiza pone límites al vacío, encuentran su lugar en el espacio, así ocurre con obras suyas como 'Flotación', 'Escultura lunar', 'Homenaje a Mallarmé' o 'Caja abierta'.
Oteiza es un figura clave entre el periodo de las vanguardias y la generación de posguerra. En 1992 donó su legado al pueblo vasco y en primavera del 2003, abrió sus puertas al público la Jorge Oteiza Fundazioa en la localidad de Altzuza. El catálogo de la exposición está prologado por Pilar Oteiza, comisaria y propietaria de la obra, y por el crítico e historiador Francisco Calvo Serraller.
Fecha de inicio: 24/02/2010
Fecha de fin: 25/04/2010
Local: Fundación Canal
Precio: Entrada gratuita
Metro: Plaza de Castilla (L1, L9, L10)
Arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte
Exposición en el Prado desde el día 09/03/2010 hasta el 23/05/2010.
Una forma de conocer la relación entre las colecciones de pintura reales y la armería. Se trata de una versión más completa de la exposición 'El arte del poder. Armaduras y retratos de la España Imperial', celebrada en 2009 en la National Gallery of Art de Washington, en cuya coorganización también participó, entre otros, el Museo del Prado.
La principal novedad con la que contará esta nueva versión de la exposición, será la inclusión de algunas obras que no estuvieron presentes en la edición anterior, entre otras cuestiones, por su relevancia y conservación.
Una selección de piezas de la Real Armería de Madrid. Una institución que tuvo una gran importancia en el desarrollo del retrato armado, que adquiriría una gran importancia entre los siglos XVI y XVIII en Europa.
El retrato de corte y las armerías de Carlos V y Felipe II; la ausencia de retratos armados en la segunda mitad del siglo XVI y su recuperación con Felipe III príncipe; la Real Armería en la pintura de corte del siglo XVII y la tradición francesa y española en el retrato borbónico en armadura son las cuatro temáticas en las que se estructura la exposición. Una disposición que se ha establecido a partir de la importancia del nexo entre las colecciones reales de armería y la pintura.
Fecha de inicio: 09/03/2010
Fecha de fin: 23/05/2010
Local: Museo Nacional del Prado
Día de cierre: Lunes
Venta de entradas: En las taquillas del museo y en http://www.entradasprado.com/
Horarios: De martes a domingo: 9.00 - 20.00 h
Precio: Entre 3,5 y 7 €. Entrada gratuita (ver condiciones).
Autobús: 9, 10, 14, 19, 27, 34, 37, 45
Metro: Atocha (L1)/ Banco de España (L2)
Una forma de conocer la relación entre las colecciones de pintura reales y la armería. Se trata de una versión más completa de la exposición 'El arte del poder. Armaduras y retratos de la España Imperial', celebrada en 2009 en la National Gallery of Art de Washington, en cuya coorganización también participó, entre otros, el Museo del Prado.
La principal novedad con la que contará esta nueva versión de la exposición, será la inclusión de algunas obras que no estuvieron presentes en la edición anterior, entre otras cuestiones, por su relevancia y conservación.
Una selección de piezas de la Real Armería de Madrid. Una institución que tuvo una gran importancia en el desarrollo del retrato armado, que adquiriría una gran importancia entre los siglos XVI y XVIII en Europa.
El retrato de corte y las armerías de Carlos V y Felipe II; la ausencia de retratos armados en la segunda mitad del siglo XVI y su recuperación con Felipe III príncipe; la Real Armería en la pintura de corte del siglo XVII y la tradición francesa y española en el retrato borbónico en armadura son las cuatro temáticas en las que se estructura la exposición. Una disposición que se ha establecido a partir de la importancia del nexo entre las colecciones reales de armería y la pintura.
Fecha de inicio: 09/03/2010
Fecha de fin: 23/05/2010
Local: Museo Nacional del Prado
Día de cierre: Lunes
Venta de entradas: En las taquillas del museo y en http://www.entradasprado.com/
Horarios: De martes a domingo: 9.00 - 20.00 h
Precio: Entre 3,5 y 7 €. Entrada gratuita (ver condiciones).
Autobús: 9, 10, 14, 19, 27, 34, 37, 45
Metro: Atocha (L1)/ Banco de España (L2)
viernes, 19 de febrero de 2010
Monet y la abstracción
Exposición Thyssen (+ información).
El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid acogen una exposición que muestra la enorme influencia de Monet en el informalismo y el expresionismo abstracto.
Hasta el 30 de mayo El Museo Thyssen-Bornemisza presenta la primera parte de "Monet y la abstracción" en la que se establece una estrecha relación entre los distintos periodos de su carrera y las propuestas más vanguardistas de los años cincuenta.
Los efectos atmosféricos, los cambios de luz a lo largo del día o su reflejo en el agua son las realidades físicas que interesan a Monet. Frente al academicismo y el clasicismo la línea que emprende el artista francés va alejándose cada vez más de la narración para adentrarse en la pintura pura: manchas de color, superficies de claridad, textura de pincel. No importa el objeto o el paisaje, estos son tan sólo una mera excusa, lo que interesa a Monet es la densidad del aire, el impacto del sol, la fuerza del cromatismo. Por lo tanto no es extraño que los distintos movimientos abstractos que han venido después hayan visto en Monet al precursor del arte matérico. Del mismo modo que Monet encontró en la obra de Turner, también representada en la muestra, una preocupación muy parecida a la suya.
Una larga historia
Así la primera parte de la exposición traza un arco que va desde su estancia en Londres, entre 1899 y 1901, a la serie de grandes lienzos de Nenúfares que pinta al final de su carrera en los años diez del siglo XX. Poco a poco el horizonte desaparece de sus cuadros que se convierten en composiciones casi abstractas como las de Mark Rothko, Gerhard Richter, Clyfford Still, Helen Frankenthaler y Barnett Newman.
Otra de los hallazgos de Monet es la expresión del gesto del pintor. Como descubriría años después Jackson Pollock el propio trazo de la pintura, la materialidad de la misma, tiene una potentísima fuerza evocadora.
Descarga programa completo (Pdf)
El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid acogen una exposición que muestra la enorme influencia de Monet en el informalismo y el expresionismo abstracto.
Hasta el 30 de mayo El Museo Thyssen-Bornemisza presenta la primera parte de "Monet y la abstracción" en la que se establece una estrecha relación entre los distintos periodos de su carrera y las propuestas más vanguardistas de los años cincuenta.
Los efectos atmosféricos, los cambios de luz a lo largo del día o su reflejo en el agua son las realidades físicas que interesan a Monet. Frente al academicismo y el clasicismo la línea que emprende el artista francés va alejándose cada vez más de la narración para adentrarse en la pintura pura: manchas de color, superficies de claridad, textura de pincel. No importa el objeto o el paisaje, estos son tan sólo una mera excusa, lo que interesa a Monet es la densidad del aire, el impacto del sol, la fuerza del cromatismo. Por lo tanto no es extraño que los distintos movimientos abstractos que han venido después hayan visto en Monet al precursor del arte matérico. Del mismo modo que Monet encontró en la obra de Turner, también representada en la muestra, una preocupación muy parecida a la suya.
Una larga historia
Así la primera parte de la exposición traza un arco que va desde su estancia en Londres, entre 1899 y 1901, a la serie de grandes lienzos de Nenúfares que pinta al final de su carrera en los años diez del siglo XX. Poco a poco el horizonte desaparece de sus cuadros que se convierten en composiciones casi abstractas como las de Mark Rothko, Gerhard Richter, Clyfford Still, Helen Frankenthaler y Barnett Newman.
Otra de los hallazgos de Monet es la expresión del gesto del pintor. Como descubriría años después Jackson Pollock el propio trazo de la pintura, la materialidad de la misma, tiene una potentísima fuerza evocadora.
Descarga programa completo (Pdf)
Frase de la Semana
Nunca discutas con un imbécil, te hará descender a su nivel y allí te ganará por experiencia.
ARCO 2010
Madrid (España), del 17 al 21 de febrero de 2010
LOS ÁNGELES, CIUDAD INVITADA EN ARCOmadrid_ 2010
Diecisiete galerías y un amplio programa de exposiciones mostrarán al público español la diversidad y riqueza de la gran urbe estadounidense
Galeristas, coleccionistas y profesionales del arte de todo el mundo se darán cita entre el 17 y el 21 de febrero en Madrid, la capital española, con motivo de ARCOmadrid_ 2010, Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Un evento que, por su creciente influencia, se sitúa entre las primeras plataformas del mercado artístico mundial y convierte a Madrid en un punto de ebullición de la creación plástica contemporánea.
Así, a través de una selección de 17 galerías, comisariada por Kris Kuramitsu y Christopher Miles, el público podrá acercarse en PANORAMA: Los Ángeles. a una muestra de creadores y salas que presentarán “una gran diversidad de trabajos en cuestión de técnica, género e inclinación”, señalan los comisarios. Obras producidas por “artistas de distintas generaciones, recorridos y notoriedad” en una selección que busca, ante todo, “la vitalidad en todas sus formas e intenta ser lo más fidedigna posible ante la idea de ofrecer un panorama de una ciudad”, pese a que Los Ángeles “sorprende constantemente y de la que no se puede dar un punto de vista totalizador”, según Kuramitsu y Miles.
Más Información en http://www.ifema.es/ferias/arco/es.html
LOS ÁNGELES, CIUDAD INVITADA EN ARCOmadrid_ 2010
Diecisiete galerías y un amplio programa de exposiciones mostrarán al público español la diversidad y riqueza de la gran urbe estadounidense
Galeristas, coleccionistas y profesionales del arte de todo el mundo se darán cita entre el 17 y el 21 de febrero en Madrid, la capital española, con motivo de ARCOmadrid_ 2010, Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Un evento que, por su creciente influencia, se sitúa entre las primeras plataformas del mercado artístico mundial y convierte a Madrid en un punto de ebullición de la creación plástica contemporánea.
Así, a través de una selección de 17 galerías, comisariada por Kris Kuramitsu y Christopher Miles, el público podrá acercarse en PANORAMA: Los Ángeles. a una muestra de creadores y salas que presentarán “una gran diversidad de trabajos en cuestión de técnica, género e inclinación”, señalan los comisarios. Obras producidas por “artistas de distintas generaciones, recorridos y notoriedad” en una selección que busca, ante todo, “la vitalidad en todas sus formas e intenta ser lo más fidedigna posible ante la idea de ofrecer un panorama de una ciudad”, pese a que Los Ángeles “sorprende constantemente y de la que no se puede dar un punto de vista totalizador”, según Kuramitsu y Miles.
Más Información en http://www.ifema.es/ferias/arco/es.html
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