Grandes obras del Musée d´Orsay
Gracias a la colaboración con el Musée d´Orsay, la Fundación Mapfre trae por primera vez a España obras muy significativas del impresionismo, que pueden verse en su sede del Paseo de Recoletos hasta el 22 de abril.
La trayectoria artística de Manet es el eje en torno al cual se organiza esta exposición, que se presenta como una nueva lectura del movimiento impresionista y trata de contextualizarlo en la escena cultural de los años setenta del siglo XIX. Las propuestas de Monet, Renoir, Pisarro, Sisley, Degas, Berthe Morisot o Cézanne convivieron con el academicismo, el historicismo o el simbolismo, que fueron los otros caminos por los que transcurría la también innovadora pintura de Puvis de Chavannes o Moreau.
Manet y el entusiasmo por la modernidad
Manet alentó a los jóvenes artistas a pintar la vida moderna de una manera distinta, pero lejos de promover una ruptura radical con el arte tradicional, en su obra encontramos la influencia de Tiziano, Goya o Velázquez. Porque Manet siempre quiso que su obra se exhibiera en los museos y perdurará hasta alcanzar la categoría de clásica. Tal vez debido a este motivo nunca se prestó a exponer con sus amigos impresionistas y prefirió la seguridad del Salón oficial.
El pífano de Manet, que concilia academicismo y modernidad, abre la exposición. En este bloque destacan las pinturas de Puvis de Chavannes Le pigeon, Le ballon y Mujeres a orillas del mar.
A continuación Monet, el artista que mejor ha representado la fugacidad de la luz natural, está muy bien representado con sus obras La gare Saint-Lazare, Les regates à Argenteuil o La rue Montorgueil. En contraste Renoir parece mucho más frívolo, pero la sensualidad de sus desnudos recuerda a la pintura veneciana del siglo XVI. Y Sisley, Pizarro y Cézanne demuestran mayor preocupación por la composición y la solidez.
Degas y Berthe Morisot son los grandes narradores de la vida moderna: los espectáculos, el ballet, la ciudad o las carreras de caballos.
Las últimas obras de Manet, L´asperge, el retrato de Clemenceau o L´evasion de Rochefort, demuestran al final de la exposición la estrecha relación de Manet con el movimiento impresionista.
Fecha de inicio: 14/01/2010
Fecha de fin: 22/04/2010
Local: Fundación Cultural Mapfre. Sala Recoletos
Horarios: Lunes: de 14 a 20. Martes a sábados: de 10 a 20. Domingos y festivos: de 12 a 20
Precio: Entrada gratuita.
Autobús: 5, 14, 27, 37, 45, 53, 150
Metro: Colón (L4) / Banco de España (L2)
Belleza en la Mirada
En los inicios...
jueves, 11 de marzo de 2010
Los límites de la transparencia
La Fundación Canal expone una selección de obras del escultor vasco Jorge Oteiza, fallecido en 2003. El título 'los límites de la transparencia' hace alusión a la frontera donde se separan y se unen el espacio construido y el espacio natural.
Oteiza (Orio, Guipúzcoa, 1908- San Sebastián, 2003) fue un creador multidisciplinar que edificó su obra desde la reflexión sobra la relación del individuo sobre el espacio.
La obra que muestra la Fundación Canal Corresponde a la culminación del proyecto denominado 'Propósito experimental', con el que recibió en 1957 el Primer Premio de Escultura de la IV Bienal de São Paulo. Un galardón que supuso su consagración en el ámbito internacional.
La obra de Oteiza pone límites al vacío, encuentran su lugar en el espacio, así ocurre con obras suyas como 'Flotación', 'Escultura lunar', 'Homenaje a Mallarmé' o 'Caja abierta'.
Oteiza es un figura clave entre el periodo de las vanguardias y la generación de posguerra. En 1992 donó su legado al pueblo vasco y en primavera del 2003, abrió sus puertas al público la Jorge Oteiza Fundazioa en la localidad de Altzuza. El catálogo de la exposición está prologado por Pilar Oteiza, comisaria y propietaria de la obra, y por el crítico e historiador Francisco Calvo Serraller.
Fecha de inicio: 24/02/2010
Fecha de fin: 25/04/2010
Local: Fundación Canal
Precio: Entrada gratuita
Metro: Plaza de Castilla (L1, L9, L10)
Oteiza (Orio, Guipúzcoa, 1908- San Sebastián, 2003) fue un creador multidisciplinar que edificó su obra desde la reflexión sobra la relación del individuo sobre el espacio.
La obra que muestra la Fundación Canal Corresponde a la culminación del proyecto denominado 'Propósito experimental', con el que recibió en 1957 el Primer Premio de Escultura de la IV Bienal de São Paulo. Un galardón que supuso su consagración en el ámbito internacional.
La obra de Oteiza pone límites al vacío, encuentran su lugar en el espacio, así ocurre con obras suyas como 'Flotación', 'Escultura lunar', 'Homenaje a Mallarmé' o 'Caja abierta'.
Oteiza es un figura clave entre el periodo de las vanguardias y la generación de posguerra. En 1992 donó su legado al pueblo vasco y en primavera del 2003, abrió sus puertas al público la Jorge Oteiza Fundazioa en la localidad de Altzuza. El catálogo de la exposición está prologado por Pilar Oteiza, comisaria y propietaria de la obra, y por el crítico e historiador Francisco Calvo Serraller.
Fecha de inicio: 24/02/2010
Fecha de fin: 25/04/2010
Local: Fundación Canal
Precio: Entrada gratuita
Metro: Plaza de Castilla (L1, L9, L10)
Arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte
Exposición en el Prado desde el día 09/03/2010 hasta el 23/05/2010.
Una forma de conocer la relación entre las colecciones de pintura reales y la armería. Se trata de una versión más completa de la exposición 'El arte del poder. Armaduras y retratos de la España Imperial', celebrada en 2009 en la National Gallery of Art de Washington, en cuya coorganización también participó, entre otros, el Museo del Prado.
La principal novedad con la que contará esta nueva versión de la exposición, será la inclusión de algunas obras que no estuvieron presentes en la edición anterior, entre otras cuestiones, por su relevancia y conservación.
Una selección de piezas de la Real Armería de Madrid. Una institución que tuvo una gran importancia en el desarrollo del retrato armado, que adquiriría una gran importancia entre los siglos XVI y XVIII en Europa.
El retrato de corte y las armerías de Carlos V y Felipe II; la ausencia de retratos armados en la segunda mitad del siglo XVI y su recuperación con Felipe III príncipe; la Real Armería en la pintura de corte del siglo XVII y la tradición francesa y española en el retrato borbónico en armadura son las cuatro temáticas en las que se estructura la exposición. Una disposición que se ha establecido a partir de la importancia del nexo entre las colecciones reales de armería y la pintura.
Fecha de inicio: 09/03/2010
Fecha de fin: 23/05/2010
Local: Museo Nacional del Prado
Día de cierre: Lunes
Venta de entradas: En las taquillas del museo y en http://www.entradasprado.com/
Horarios: De martes a domingo: 9.00 - 20.00 h
Precio: Entre 3,5 y 7 €. Entrada gratuita (ver condiciones).
Autobús: 9, 10, 14, 19, 27, 34, 37, 45
Metro: Atocha (L1)/ Banco de España (L2)
Una forma de conocer la relación entre las colecciones de pintura reales y la armería. Se trata de una versión más completa de la exposición 'El arte del poder. Armaduras y retratos de la España Imperial', celebrada en 2009 en la National Gallery of Art de Washington, en cuya coorganización también participó, entre otros, el Museo del Prado.
La principal novedad con la que contará esta nueva versión de la exposición, será la inclusión de algunas obras que no estuvieron presentes en la edición anterior, entre otras cuestiones, por su relevancia y conservación.
Una selección de piezas de la Real Armería de Madrid. Una institución que tuvo una gran importancia en el desarrollo del retrato armado, que adquiriría una gran importancia entre los siglos XVI y XVIII en Europa.
El retrato de corte y las armerías de Carlos V y Felipe II; la ausencia de retratos armados en la segunda mitad del siglo XVI y su recuperación con Felipe III príncipe; la Real Armería en la pintura de corte del siglo XVII y la tradición francesa y española en el retrato borbónico en armadura son las cuatro temáticas en las que se estructura la exposición. Una disposición que se ha establecido a partir de la importancia del nexo entre las colecciones reales de armería y la pintura.
Fecha de inicio: 09/03/2010
Fecha de fin: 23/05/2010
Local: Museo Nacional del Prado
Día de cierre: Lunes
Venta de entradas: En las taquillas del museo y en http://www.entradasprado.com/
Horarios: De martes a domingo: 9.00 - 20.00 h
Precio: Entre 3,5 y 7 €. Entrada gratuita (ver condiciones).
Autobús: 9, 10, 14, 19, 27, 34, 37, 45
Metro: Atocha (L1)/ Banco de España (L2)
viernes, 19 de febrero de 2010
Monet y la abstracción
Exposición Thyssen (+ información).
El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid acogen una exposición que muestra la enorme influencia de Monet en el informalismo y el expresionismo abstracto.
Hasta el 30 de mayo El Museo Thyssen-Bornemisza presenta la primera parte de "Monet y la abstracción" en la que se establece una estrecha relación entre los distintos periodos de su carrera y las propuestas más vanguardistas de los años cincuenta.
Los efectos atmosféricos, los cambios de luz a lo largo del día o su reflejo en el agua son las realidades físicas que interesan a Monet. Frente al academicismo y el clasicismo la línea que emprende el artista francés va alejándose cada vez más de la narración para adentrarse en la pintura pura: manchas de color, superficies de claridad, textura de pincel. No importa el objeto o el paisaje, estos son tan sólo una mera excusa, lo que interesa a Monet es la densidad del aire, el impacto del sol, la fuerza del cromatismo. Por lo tanto no es extraño que los distintos movimientos abstractos que han venido después hayan visto en Monet al precursor del arte matérico. Del mismo modo que Monet encontró en la obra de Turner, también representada en la muestra, una preocupación muy parecida a la suya.
Una larga historia
Así la primera parte de la exposición traza un arco que va desde su estancia en Londres, entre 1899 y 1901, a la serie de grandes lienzos de Nenúfares que pinta al final de su carrera en los años diez del siglo XX. Poco a poco el horizonte desaparece de sus cuadros que se convierten en composiciones casi abstractas como las de Mark Rothko, Gerhard Richter, Clyfford Still, Helen Frankenthaler y Barnett Newman.
Otra de los hallazgos de Monet es la expresión del gesto del pintor. Como descubriría años después Jackson Pollock el propio trazo de la pintura, la materialidad de la misma, tiene una potentísima fuerza evocadora.
Descarga programa completo (Pdf)
El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid acogen una exposición que muestra la enorme influencia de Monet en el informalismo y el expresionismo abstracto.
Hasta el 30 de mayo El Museo Thyssen-Bornemisza presenta la primera parte de "Monet y la abstracción" en la que se establece una estrecha relación entre los distintos periodos de su carrera y las propuestas más vanguardistas de los años cincuenta.
Los efectos atmosféricos, los cambios de luz a lo largo del día o su reflejo en el agua son las realidades físicas que interesan a Monet. Frente al academicismo y el clasicismo la línea que emprende el artista francés va alejándose cada vez más de la narración para adentrarse en la pintura pura: manchas de color, superficies de claridad, textura de pincel. No importa el objeto o el paisaje, estos son tan sólo una mera excusa, lo que interesa a Monet es la densidad del aire, el impacto del sol, la fuerza del cromatismo. Por lo tanto no es extraño que los distintos movimientos abstractos que han venido después hayan visto en Monet al precursor del arte matérico. Del mismo modo que Monet encontró en la obra de Turner, también representada en la muestra, una preocupación muy parecida a la suya.
Una larga historia
Así la primera parte de la exposición traza un arco que va desde su estancia en Londres, entre 1899 y 1901, a la serie de grandes lienzos de Nenúfares que pinta al final de su carrera en los años diez del siglo XX. Poco a poco el horizonte desaparece de sus cuadros que se convierten en composiciones casi abstractas como las de Mark Rothko, Gerhard Richter, Clyfford Still, Helen Frankenthaler y Barnett Newman.
Otra de los hallazgos de Monet es la expresión del gesto del pintor. Como descubriría años después Jackson Pollock el propio trazo de la pintura, la materialidad de la misma, tiene una potentísima fuerza evocadora.
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